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City Sonic 2015
九月初，邁入第13屆的「城市之音：國際聲音藝術節」（City Sonic: International Sound Art(s) Festival，以下簡稱「城市之音」藝術節）再次於比利時蒙斯（Mons）展開。半個月的展期間，素有「高地古城」之稱的蒙斯吸納超過70組的聲音作品／表演，鳴響於城廓各處：文藝復興時期的鐘樓草地邊、哥德式教堂內、新落成的表演廳廊道間、以Fablab概念設計的貨櫃屋裡，還有遊走四處、裝有氣鳴喇叭的鐵馬尾端。當然，深夜徹響於街角酒吧的DJ秀，也遙相共譜「城市之音」。保留中世紀以來以「中央廣場」（Grand Place）為輻奏中心的城市設計，據點於蒙斯的「城市之音」既凝聚鬧區，又各地流竄，迴盪於訪客漫步其間的巷弄、耳際，又全數浸潤在比利時初秋細雨中。
人說，這趟隨行傾聽的漫步，大概需要兩小時左右的時光，而走完這一趟也大概走過了蒙斯城的一大半。漫步（wandering; stroll），是在「城市之音」藝術節聆聽作品的主要方式。以聽者的意志為中心，漫步結合了移動、遭遇、收受、反饋、擾動與再串聯的運動能量。適合漫步其中又不過於耗時耗力，這讓蒙斯舉辦「城市之音」具有得天獨厚的優勢。
這樣的安排，不僅出自結盟相異資源，或是自藝術廳堂中出走的宣示，更是「城市之音」藝術節跨場域與「跨文化中心」經常跨足歐洲各城市策動聲音事件的方法，目的在於開闢一處處異質的「交會點」（meeting point），讓「聆聽」緊隨於「發聲」之後，在閱聽人主動且直觀的「說－聽」循環行動中，讓迥異的地域文化、感覺慣習，相互交會。相對來說，「流浪」（nomadic）式高機動性的資源調度行徑，是跨文化中心主動創造交會點的積極手段；無論是跨國際、城市間，或者城內各區，串聯、交換差異場域與社群資源等方法，都出自這個中心根本的意識形態。
Transculure, Center of Digital & Audio Cultures
聲音即是關聯性本身（Sound as connection）。
這是「跨文化數位與聲音文化中心」（Transcultures, Center of digital and audio cultures，簡稱「跨文化中心」）創辦人、「城市之音」策展人菲利浦．法蘭克（Philippe Franck）的主要關懷。換句話說，若說藝術往往發生於相異關係（relation）迸現之際，藝術便是指向「關係」網絡的。因而，「聲音」建立於「說－聽」循環行動的本質，自然是發生「關係」的現場。依此，如何定論「聲音藝術」（sound art）從不是「城市之音」關注的焦點，反而，「藝術還有哪些創造關係的可能」才是持續發聲的目的所在。
可以這麼說，正由於「城市之音」自外於「聲音藝術」分類，「聲音」與「藝術」兩者單純的本質與開放性，始得應和無虞。這個極簡的概念大概可以用法蘭克的這句話說明吧：
只有我們撇除音樂性的範疇問題，專注於『聲音』本身，才是談『聲音藝術』的基礎。(註1)
事實上，比利時混合語系的對話體系，正是1996年跨文化中心成立於布魯塞爾時，匯聚當代藝術與新媒體藝術創作能量的基礎。爾後2003年，隨著數位科技、網路媒體與藝術創作結合之勢漸漲，首屆「城市之音」藝術節於蒙斯成立。結合蒙斯今年（2015）獲選「歐洲文化首都」（European Capital of Culture）挾帶豐沛的文化投資資源與世界性的媒體效應，「跨文化中心」回返「城市之音」發跡據點蒙斯，集中舉辦並擴大參展藝術家規模，更首次加入亞洲藝術家參與，即與台北數位藝術中心合作的「異響2015─台比聲音藝術交流計畫」（B!as 2015: Taiwan-Belgium Sound Art Exchange Project，簡稱「異響2015」）。四位參展藝術家：王福瑞、王仲堃、姚仲涵與張永達，正是本屆「城市之音」藝術節的強打之聲。
「如何告訴你我都聽到什麼？」
在此次台灣、比利時首次合作中，「交流展」尤其強調的台灣「代表性」，大可以這四位藝術家作為指標。台灣約莫從1990年代中期起，地下文化、學院養成再至國際徵件或競賽，展覽與噪音演出等能量的集結、傳承與積累，各種隱而不顯的台灣聲響藝術發展脈絡，亦大致交錯發展於上述四位藝術家身上。(註2)
然而，台灣的聲音創作有什麼特質？是我們數度啞然的問題，其原因大致來自幾個尚未明朗的問題。(註3) 一是，我們是否已見聞充足，以致得以區辨「台灣聲音創作的特質」呢？二是，即使自認見聞充足，「聲音」是否真有一種說得出來的「地域特質」？再來也許就是牽涉到文化政治的認同問題：當我們說「台灣的聲音」的時候，「台灣的」的排他性成立嗎？當然，我們還是可以羅列一些台灣聲響創作總體的「精神狀態」。諸如：以數位科技結合機械原理為基礎的作品運轉機制，它們多半以裝置的形式呈現；或者結合現成物件與基本音響系統的實驗噪音，多半以即興表演的方式呈現。然而，除了這些方法、形式上的特質，還有哪些真正能夠「談」出聲音的可能說法呢？
異地是否有異響？實在難以定論。唯一可以確定的，是台灣鮮少有「城市之音」藝術節的獨特特質：機靈與趣味性，來自容易與而且往往必須與作品互動的「體驗」設計。「體驗」指的是同時包含聽覺、視覺與動作（movement）等身體直覺。在此，「互動」有時是類比式的「敘述概念」或數位科技「擴增實境」開啟的想像與投射，抑或挪動、轉動物件造成的物理效應，但絕非限定於動態感應或訊號回饋的科技功能。可以這麼說，「城市之音」開啟一種自然律：創作者不再主導作品「發聲」的啟動機制，以觀者即時、現地（on-site）的行為（action）／表演（performance）為主要的發聲動能。從這點來說，「城市之音」作品富含的普羅（popular）調性，甚至可以說是一種根本於數位媒體「共享、串聯」的基進民主意識形態。從前衛藝術的精神來說，內含於「城市之音」藝術解域、跨域與重構的革新警覺，都相當值得借鏡。
從這裡我們可以發現，回到前文提及「聲音」、「藝術」兩者既純粹且開放的共同特質，其實也不符合這裡「對照組」式的界定。甚而，「視覺」在此脈絡下甚可能與「聽覺」等價，而「藝術」才是終極的關懷！其中的道理也許可以再度借策展人法蘭克的話述明：
「聲音」或多或少都與「視覺」產生關聯─那怕僅是心境上的視覺投射─但同時，只要觀者足具洞察，「聲音」便能持續在它自有的召喚能量中，自我充足。也唯有如此，我們才能欣賞「聲音」不言自明的存在與能量。(註4)
這樣的論點，相當程度可以呼應張永達「相對感度」系列作品的概念，亦即以裝置作品為基點，讓觀者透過觀看、聆聽作品運作，進而翻轉出不可見、但可感的聲音、 動作所構成的圖像。而這個「圖像」本身，既是造型上的，也是動態的、聽覺的。無論感覺自何處竄升，「聲音」所開啟的，都是觸發自「身體」的歧異感覺，而藝術，也才在這歧異中持續創造千萬視角。